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FRANK ZAPPA / UNCLE MEAT / (FILM)

Uncle Meat, editado en 1969, es la banda sonora de la película del mismo nombre, de la banda The Mothers of Invention. La portada, diseñada por Cal Schenkel, incluía "(Most of the Music from the Mother's [sic] Movie of the Same Name Which We Haven't Got Enough Money to Finish Yet)" (La mayoría de la música de la película del mismo nombre que no hemos tenido dinero suficiente para acabar aún). La película se editó directamente en video en 1987.
Uncle Meat marcó una evolución en la carrera de Frank Zappa, abriéndose más al jazz y la música clásica. También contiene (medio homenaje - medio burla), elemento de doo-wop, blues, rock and roll, y trozos de sonido de la película.
Este doble álbum fue el primero de su sello Bizarre Records en afiliación de Reprise Records, después de su período con Verve Records.
La edición en CD se lanzó en 1987, conteniendo una nueva canción, "Tengo Na Minchia Tanta", cantada en italiano por Massimo Bassoli, además de casi 40 minutos de sonido de la película.

In-A-Gadda-Da-Vida /IRON BUTTERFLY / Original video

Iron Butterfly Iron Butterfly Datos generales Origen San Diego, California, Flag of the United States.svg Estados Unidos Información artística Género(s) Rock psicodélico Rock ácido Hard rock Heavy metal Período de actividad 1966 - 1971 1974 - 1985 1987 - presente Discográfica(s) Atco Records MCA Records Artistas relacionados Rhinoceros, Captain Beyond, Magic, Gold Web Sitio web Sitio Web Oficial Miembros Ron Bushy Charlie Marinkovich Martin Gerschwitz Antiguos miembros Doug Ingle Lee Dorman Erik Brann Jerry Penrod Darryl DeLoach Danny Weis Philip Taylor Kramer Howard Reitzes Bill DeMartines Mike Pinera Larry "Rhino" Reinhardt Larry Rust Eric Barnett Iron Butterfly es una banda estadounidense de rock, conocida sobre todo por su sencillo In-A-Gadda-Da-Vida. Su época de apogeo fueron los últimos años sesenta, pero la banda ha reaparecido varias veces con diversos miembros. La banda fue formada en 1966 en San Diego y lanzó su primer álbum, Heavy, en 1968. Los miembros originales eran Doug Ingle, Ron Bushy, Jerry Penrod, Darryl DeLoach y Danny Weis. Todos excepto Ingle y Bushy dejaron la banda después del primer álbum. In-A-Gadda-Da-Vida, la canción de diecisiete minutos que da nombre a su segundo álbum, se convirtió en un enorme éxito que se pasó alrededor de un año en el Top Ten. Los miembros cuando In-A-Gadda-Da-Vida fue grabada eran Doug Ingle (teclados y voz), Lee Dorman (bajo), Ron Bushy (batería) y Erick Brann (guitarra). El siguiente álbum, Ball, fue menos exitoso, y estuvo seguido por más cambios en la formación. La banda se separó en 1971. Dorman más tarde se unió al «supergrupo» Captain Beyond. La banda fue contratada para tocar en Woodstock, pero sus integrantes se pelearon en el aeropuerto. La banda se volvió a formar en 1975 con Ron Bushy y Eric Brann, a los que se unieron el bajista Philip Taylor Kramer y Howard Reitzes. Kramer más tarde fue noticia con su desaparición en 1995 y el descubrimiento de sus huesos en 1999. La famosa formación de In-A-Gadda-Da-Vida se juntó para el concierto y la celebración del cuadragésimo aniversario de la casa discográfica Atlantic, apareciendo en escena junto con los miembros supervivientes de Led Zeppelin, y con Aretha Franklin entre muchos otros artistas de la compañía en 1987. El 25 de julio de 2003 Erik Brann murió por un fallo cardíaco a la edad de cincuenta y dos años. En el 2004, el grupo una vez más volvió a juntarse, y organizó una gira con los miembros tempranos Ron Bushy y Lee Dorman. El 21 de diciembre de 2012 muere Lee Dorman, a los 70 años de edad. Fue encontrado sin vida en el interior de su vehículo.

Santana - ¨68 / Full Disco

Carlos Humberto Santana Barragán (Autlan de Navarro, Jalisco, México, 20 de julio de 19471 ), es un guitarrista mexicano-estadounidense, multiganador del Grammy. Es considerado el 15º mejor guitarrista de todos los tiempos,2 según la revista Rolling Stone. Estuvo casado con Cindy Blackman, conocida por ser baterista de Lenny Kravitz

Biografia de Carlos santana[editar · editar código]

Su padre fue violinista en una banda de mariachi en Michoacán. De joven, Carlos aprendió a tocar el violín, pero lo cambió por la guitarra cuando tenía ocho años. En 1955 su familia se mudó aTijuana. Carlos se dedicó a estudiar la guitarra emulando los sonidos de B.B. King, T-Bone Walker y John Lee Hooker bajo la tutela de Javier Bátiz. Mientras tanto tocaba con conjuntos locales como Los T.J.'s del cual era bajista, donde añadió su propio toque y sentido original a las canciones populares de rock 'n roll de la década del cincuenta. Al seguir tocando con diferentes conjuntos a lo largo del recorrido "Tijuana Strip," comenzó a perfeccionar su estilo y sonido.
Al principio se quedó en Tijuana para mejorar su pericia musical en los clubes locales, cuando su familia se mudó de nuevo, esta vez a San Francisco, California en el año de 1961, pero pronto la siguió, se encontró matriculado en la escuela, aprendiendo inglés, y queriendo tocar música. Al mismo tiempo, Carlos fue sumergido en el ambiente pintoresco de San Francisco, con sus diversas influencias culturales y estilos musicales. El destino llevó a Carlos al sitio y época correcta, colocándolo en medio de la floreciente y enorme escena musical que era el área de la Bahía.
En 1965 recibió la ciudadanía estadounidense,3 En 1966 debutó con la Santana Blues Band y llegaron, del histórico Filmore West de Bill Grahams al escenario principal del memorable Woodstock Peace, Love, Music festival, donde el 16 de agosto de 1969, Santana entregó a las masas su explosión de rock con sabor latino. Su melodía: "Black Magic Woman" conocida en México como mujer de magia negra" abrió su participación. El tuvo otros éxitos importantes: "Soul Sacrifice", "Jingo", "Gypsy Queen", "Oye como va" con el clásico sonido de Santana raspando la guitarra, y su inolvidable éxito del año 1971: "Samba pa'ti", "Sin depender de nadie", "Guajira". Su albúm Abraxas tuvo ventas importantes en México y Latinoamérica, con el sello CBS
En 1973 se une sentimentalmente a Deborah King, con quien ha procreado a sus hijos Salvador, Estela y Angélica.

Santana, el solista[editar · editar código]

Carlos Santana se quedó con el nombre de la banda y continuó su gira por los Estados Unidos con una serie de músicos distintos, lanzando varios álbumes. Durante este período Santana adoptó el nombre «Devadip», conferido por el líder espiritual Sri Chinmoy. Sacó al mercado muchos álbumes en los 1970 y 1980, incluyendo colaboraciones con John Lee Hooker, Willie Nelson, Herbie Hancock, Booker T. Jones, Wayne Shorter, Ron Carter y The Fabulous Thunderbirds. En 1991, Santana colaboró en el álbum de Ottmar Liebert Sólo para ti, en las canciones Reaching out 2 U y una grabación nueva de su propia canción "Samba pa' ti". Fue instalado en el Rock and Roll Hall of Fame en 1998. Santana fue el único que participó en las dos versiones del cover de Michael JacksonWe are the world:
En 1971 el general Juan Velasco Alvarado le prohibió tocar en el Perú y lo expulsó del país tras clasificarle "hippie imperialista".
En 1972 Santana tomó la delantera de John McLaughlin y se dirigió en una dirección espiritual, de jazz / fusión.
Desde 1976 todavía se estiró instrumentalmente, pero incluía rock convencional y elementos de baile, una combinación que ha mantenido. En este mismo año compuso uno de sus más grandes éxitos conocido como "Europa" misma que en su boceto original se denominó "ahí viene la señora con cara de hongo que viene al pueblo".
Para 1992 canceló su contrato con Columbia y después grabó con Polygram y Arista Records.
Mientras sus conciertos en vivo tenían una reputación para la excelencia, Santana no tenía un hit muy importante desde 1981 hasta 1999.
Santana surgió de nuevo en 1999 con el lanzamiento de Supernatural, que incluyó colaboraciones con Rob Thomas, Eric Clapton, Lauryn Hill, Wyclef Jean, Dave Matthews, y el grupo mexicano Maná. La intervención de Maná en el disco acompañando a la guitarra se debió a su buena relación con Fher Olvera. Supernatural se hizo platino 25 veces, fue el álbum de Santana de mayor venta, alcanzando número uno en la lista Billboard y manteniendo esa posición por 12 meses y ganando nueve Premios Grammy. El éxito del año 1999, fue "Smooth" con la cual permaneció en el número UNO de acuerdo con lista de Billboard, por 9 semanas.
En 2001 trabajó con Michael Jackson en la canción "Whatever Happens" del álbum Invincible.
En 2002, Santana sacó al mercado Shaman, revisitando el formato de artistas invitados, incluyendo P.O.D., Seal y Michelle Branch.
En 2006, Carlos Santana hizo una colaboración con la cantante colombiana Shakira en la canción Illegal del álbum Oral Fixation Vol. 2 que fue tercer single del disco.
En 2007 colabora en la canción "Into the Night" de Chad Kroeger, vocalista de Nickelback.
En 2010 saca al mercado el álbum Guitar Heaven con canciones como Back in Black de AC/DC y Whole Lotta Love de Led Zeppelin.

Santana, el artista[editar · editar código]

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Bob Dylan, Mick Taylor (de los Rolling Stones), y Santana, en Hamburg, 1984
El mundo adoptó a Carlos con pasión. Estaban fascinados con su música siempre cambiante, exaltadora, creciente y consistente. Cada nuevo estreno, incluyendo ocho álbumes de oro y siete de platino, llegó de ser un reflejo del crecimiento y evolución personal de Carlos. Los aficionados también fueron encantados con sus mensajes, incitaciones gentiles hacia la paz, compasión, alegría y comprensión que consistentemente ha entregado de manera sincera y personal en sus espectáculos en más de 50 países.
Desde el álbum de estreno del conjunto de Santana, Santana, con el que consiguió doble platino y el siguiente de cuádruple platino de Abraxas, hasta el amplio retrospectivo juego encajado,Dance of the Rainbow serpent, estrenado en 1995, desde las obras solistas exitosas de Carlos, influenciadas por el jazz, al emocionante y sumamente personal Blues for Salvador, a su estreno especial en el álbum de John Lee Hooker, Chill Out... desde el álbum producido por G&G, Brothers, (que incluyó canciones por Carlos, su hermano Jorge y su sobrino, Carlos Hernández), hasta el estreno en 1996 de Mystic Man, por el compositor italiano, Paolo Rustichelli... desde el vídeo retrospectivo en 1988, ¡Viva Santana!, hasta el vídeo del concierto en América del Sur en 1993, Sacred Fire, al estreno en 1997 del CD-ROM, The History of Santana: the river of color and sound y Live at the Fillmore (1968), un CD doble que muestra sesiones grabadas en los espectáculos del conjunto en 1968 en el club legendario San Francisco, queda claro que Carlos siempre demuestra una pasión intransigente para su expresión musical.
Esta pasión le ha permitido aventurarse en nuevos territorios tanto geográficos como musicales, incluyendo escorificar la película principal La Bamba, lanzarse en un recorrido en 1988 con el saxofonista de jazz Wayne Shorter y participar en el "Rock'n Roll Summit" de 1987, el primer concierto patrocinado en conjunto por los EE.UU. y la Unión Soviética en toda la historia. Además de ser un presente para beneficio de varias causas notables, tales como "Blues for Salvador", "California Earthquake Relief", huérfanos de Tijuana, los derechos de Gente Indígena y educación para la juventud latina en sociedad con Hispanic Media & Education Group (HEMG, por sus siglas en inglés).
A Carlos se le ha votado el mejor guitarrista de rock en un escrutinio de la revista Playboy y, en 1977, el conjunto Santana fue el primero en ganar honores de CBS Records Crystal Globe Award por haber vendido 5 millones o más álbumes internacionalmente.
Recibió un Grammy para el mejor espectáculo instrumental de rock en 1988 además de ser el sujeto de un concierto de tributo especial patrocinado por N.A.R.A.S. (por sus siglas en inglés) durante la celebración de los Honores del Grammy en1996 en coyuntura con su inducción dentro del Hollywood Rock Walk. Recibió diez honores de Bammy I incluyendo seis de El Mejor Guitarrista y tres honores de Músico del Año) y, en 1997, fue entre el grupo inaugural, junto con los finados Bill Graham y Jerry García, elegido al Bammy Hall of Fame.
En 1996, Carlos recibió Honor de Billboard Century, el honor más alto de la revista Billboard Magazine, para logro creativo, y fue nombrado Leyenda de la Música Latina del Año por el Chicano Music Awards en 1997. Además de sus honores musicales, Carlos también recibió numerosas alabanzas cívicas y humanitarias, incluyendo el Honor de Arthur M. Sohcot en 1997 para Servicio Público y Excelencia en su Espectáculo, en 1997, el honor de Golden Eagle Legend in Music de "Nosotros", un "Honor de Logro Especial" en 1999 la ceremonia de Honores del American Latino Media Arts (ALMA, por sus siglas en inglés). Y, el 17 de agosto de 1998, Carlos recibió su "estrella" en el Hollywood Walk of Fame, (el camino de la fama de Hollywood). Hoy en día, las ventas de Santana superan los 50 millones de discos.
El 25 de febrero de 2009 realizó su primera presentación en la 50ª edición del Festival de la Canción de Viña del Mar, en las cuales sumió al público en un trance de rock y ritmos tropicales durante 2 horas, las cuales le valieron llevarse los 3 trofeos que se entregan en esta cita (antorcha de plata, antorcha de oro y gaviota de plata.)

Guitarras y equipos[editar · editar código]

Sobre sus gustos, se sabe que sus guitarras favoritas son las Paul Reed Smith. Entre otras que ha usado se encuentra una Yamaha SG 2000 y Gibson SG con la que tocó en el famoso Festival de Woodstock. También se le llegó a ver durante los años 70`s con las famosas Gibson Les Paul, Fender Stratocaster, Telecaster ,y también en el 92 en un concierto en Japón, interpretó «Blues for Salvador» (su hijo), con una Yamaha RGX que en aquel tiempo era un prototipo que sólo habían hecho para él. La Gibson SG roja que Santana usó en Woodstock, se encuentra ahora expuesta en el Hard Rock Café de Marbella.
Guitarras: PRS (Paul Reed Smith) Modelo Santana SE, Santana I, II, III y ahora la MD teniendo siempre como favoritas las Santana I y II a nivel público.
Amplificadores: 70’s Marshall 100w head with a single 4x12” cab, ’65 Blackface Fender Twin, Mesa/Boggie Mark IV & Dumble Overdrive Special 100w head trough single 1x12 Altec-Lansing cab (este último para solos).
Pedales: Mu-Tron Wah, Ibanez TS-9 Tube Screamer, ProCo Rat, Ibanez Digital Delay, Alesis Midiverb, Custom made 4-way cambiador para los amplificadores.

Al Green - Unchained Melody ( Full Album )

Albert Greene (n. 13 de abril de 1946), mejor conocido con el nombre artístico de Al Green, es un cantante y compositor estadounidense. La mayoría de sus interpretaciones musicales pertenecen a los géneros gospel y soul. Ha sido vastamente reconocido por fusionar estos diferentes estilos musicales entre sí, logrando la unión de lo secular con lo religioso. Durante los años 1970s obtuvo su mayor éxito, convirtiéndose en uno de los músicos con más superventas de esa época.1 En el año 2008, Green recibió un premio por toda su trayectoria artística llamado Lifetime Achievement Award durante el evento de premiación BET Awards.2 Su estilo vocal ha sido descrito como un áspero y cálido barítono y un etéreo falsetto.1 3
En el año 2004 la revista Rolling Stone lo colocó en el puesto 65 de su lista de los cien artistas inmortales (100 Greatest Artists of All Time).4
Índice  [ocultar] 

Primeros años[editar · editar código]
Albert Greene nació en la ciudad Forrest City en el estado de Arkansas, Estados Unidos. Su padre era Robert Greene y trabajaba como mediero, su madre se llamaba Cora.5 6 En 1955, el joven Albert se trasladó con su familia a la ciudad de Grand Rapids en el estado de Míchigan.7
Greene empezó su carrera musical cuando tenía nueve años de edad, en un cuarteto conocido como Greene Brothers, en compañía de sus hermanos Robert, Walter y William. Sin embargo, su padre lo expulsó de la agrupación musical debido a que Albert escuchaba la música de Jackie Wilson y porque expresó su interés de iniciar una carrera musical.8 9
En 1964, Greene y sus amigos de la secundaria decidieron formar una banda de pop, a la que bautizaron con el nombre de Creations. El grupo estuvo en vigencia tres años y grabaron algunos éxitos musicales bajo la discográfica Zodiac. No obstante, después de un año de la separación del grupo, los miembros se volvieron a juntar, y esta vez se denominaron Al Greene and the Soul Mates, llegando a obtener gran fama con la canción «Back Up Train», la cual alcanzó la posición 41 en la lista de éxitos de 1968.10 11 A pesar de la originalidad y vivacidad de este proyecto musical perteneciente al género rhythm and blues, y producido por la discográfica Hot Line, el álbum no logró buenas ventas.
Carrera artística y éxito[editar · editar código]
En 1969, Greene inició su carrera como solista en clubes nocturnos y adoptó el nombre artístico de Al Green. En una de sus presentaciones en Midland, tuvo la oportunidad de conocer al trompetista y vicepresidente de la discográfica Hi Records, Willie Mitchell, el cual después de ver la presentación de Green quedó impresionado y lo invitó a Memphis para que realizaran un álbum musical juntos. Mitchell había predicho el éxito de Green, y lo incentivó a que buscara su propio estilo de voz, en una época en la que el joven artista buscaba imitar a sus ídolos musicales que eran Jackie Wilson, Wilson Pickett, James Brown, y Sam Cooke.12 En 1970, ambos hicieron su primer álbum titulado Green is Blues bajo la producción de la discográfica a la que Mitchell representaba y que era propiedad del productor Joe Coughi.13 El álbum tuvo un éxito moderado, y Mitchell se encargó de los arreglos musicales, la ingeniería de sonido, y la producción. Mediante este proyecto Green demostró al público su poderosa y expresiva voz, y su siguiente disco fue, Al Green Gets Next To You (1970). Este álbum tuvo un éxito masivo, e incluyó cuatro sencillos de oro, en los que se demuestra la evolución de la voz y el mejoramiento de las composiciones realizadas por Green. Desde el principio, Green estableció un patrón de combinación de sencillos originales y versiones de célebres canciones como “Light My Fire”, “How Can You Mend a Broken Heart?” y “For the Good Times”.7
No obstante, obtuvo un mayor éxito con el álbum Let’s Stay Together (1972). En la canción del mismo título, Green refinó su voz alcanzando su más alto falsetto, y esta interpretación a su vez logró convertirse en número uno según la lista de conteo de los 100 sencillos más populares de Estados Unidos, conocida como Billboard Hot 100, durante nueve semanas consecutivas.14 Asimismo, realizó el lanzamiento del álbum I’m Still In Love With You (1972), y un año más tarde presentó el disco Call Me, que alcanzó una alta popularidad en esa época, siendo considerado por algunos críticos como su obra más importante.15 En 1974, Green publicó el disco de vinilo Al Green Explores Your Mind, el cual contenía la canción «Take Me To the River», la cual fue versionada años después por la banda Talking Heads, en su segundo álbum titulado More Songs About Buildings and Food.16
Conversión al cristianismo[editar · editar código]
El 18 de octubre de 1974, Mary Woodson, quien era una pareja sentimental de Green, le pidió matrimonio y el rehusó la propuesta, a pesar de que ella ya estaba casada con otro hombre.17 La mujer al ver que había sido rechazada, se acercó al cantante mientras él se bañaba y le arrojó una olla con sémola hirviendo en su espalda. Inmediatamente, Green fue hospitalizado, con quemaduras de tercer grado en su estómago, dorso y brazos. Posteriormente al acto de violencia, la mujer se encerró en una habitación en la residencia del intérprete en Memphis, donde escribió una nota suicida y con un revólver perteneciente a Green se suicidó.18 19 13
Green canalizó este incidente como una señal de Dios.18 Seguidamente, se ordenó como reverendo del tabernáculo del pentecostalismo (en inglés Full Gospel Tabernacle, en 1976).20 Sin embargo, continuó grabando música y vio que las ventas de sus discos bajaron, recibiendo críticas variadas de los comentaristas musicales.21 Luego, compró una iglesia en Memphis, para poder ejercer como pastor debido a la negativa de varios miembros de la iglesia protestante. Consecuentemente, la religión pasó a ser lo más importante de su vida, aunque sin abandonar su afición al canto.
En 1977 grabó el disco The Belle Album el cual fue aclamado por la crítica, sin embargo no recuperó su antigua audiencia masiva.22 En 1979, Green sufrió una caída del escenario durante una presentación en Cincinnati, por lo que tuvo que pasar 15 días hospitalizado, y percibió este suceso como un nuevo mensaje de Dios.13 De esta manera, decidió concentrar sus energías en su iglesia y cantando gospel. Después de tres años, apareció junto a Patti Labelle en un musical de Broadway titulado Your Arms Too Short to Box with God.23 Su primer álbum de gospel fue The Lord Will Make a Way. Desde 1981 a 1989, Green grabó una serie de discos gospel, ganando ocho premios Grammy en esa categoría. El director cinematográfico Robert Mugge, realizó un documental sobre Al Green titulado Gospel According to Green, el cual incluye varias entrevistas sobre su vida e imágenes de su iglesia.24
Retorno al rhythm and blues[editar · editar código]
Después de pasar varios años exclusivamente interpretando gospel, Green decidió regresar al estilo musical rhythm and blues.25 Primero, lanzó un dueto con Annie Lennox, titulado «Put A Little Love In You Heart» (1988) y que fue creado para la banda sonora de la película llamada Los fantasmas atacan al jefe, interpretada por el actor Bill Murray.26 27 En 1989, el cantante trabajó con el productor musical Arthur Baker, y escribió la exitosa canción «The Message Is Love».
En el año de 1995 fue incluido en el Salón de la Fama del Rock, y nueve años más tarde en el Salón de la Fama del Gospel. Igualmente, en el 2002, Green recibió un premio Grammy por su trayectoria musical llamado Lifetime achievement Award.28

Etta James - Let's Roll [studio album] 2003

Jamesetta Hawkins (Los Ángeles, 25 de enero de 1938 - Riverside, California, 20 de enero de 2012), más conocida por su nombre artístico Etta James, fue una cantante estadounidense de géneros soul y rhythm and blues.
Índice  [ocultar] 


 James fue prodigiosa en su tono de voz y esto le permitió convertirse en una cantante de gospel, interpretando en el coro de su iglesia de barrio en Los Ángeles. Empezó a hacer interpretaciones en la radio a los cinco años, bajo la tutela e instrucción del profesor James Earle Hines. Se trasladó a San Francisco en 1950, formando de inmediato un grupo con otras dos cantantes. Cuando tenía 14 años, presentó su primera audición con el director de orquesta Johnny Otis.
Carrera musical[editar · editar código]

 Carrera con Peaches[editar · editar código]
A petición de su madre, Etta regresó a Los Ángeles para grabar "Roll With Me Henry" (rebautizada en la galleta del disco como "The wallflower") con la banda Otis y el vocalista Richard Berry para la compañía discográfica Modern Records. Otis al trío vocal como Peaches (más tarde, un apodo de Etta). "Roll with me Henry" llegó a los primeros puestos de las listas de éxitos en 1955.
The Peaches se disolvió pronto y Etta siguió cantando para Modern Records a lo largo de toda la década de los cincuenta (frecuentemente bajo la supervisión del saxo Maxwell Davis). "Good Rockin' Daddy" fue otro éxito a finales de 1955, aunque otras canciones como "W-O-M-A-N" y "Tough Lover" no lo fueron tanto.
Carrera como solista[editar · editar código]
En 1960 comienza a trabajar con la discográfica Chess Records de Chicago, cantando para la subsidiaria Argo. Inmediatamente, su carrera alcazó un nivel altísimo de popularidad; no sólo hizo un par de dúos con su novio (el cantante líder de los Moonglows, Harvey Fuqua), sino que individualmente grabó canciones como la apasionada balada "All I Could Do Was Cry", alcanzando lo más alto de las listas de éxitos de R&B. Leonard Chess entendió a Etta como una cantante clásica de baladas con un potencial añadido para la canción popular, e hizo que la acompañase una orquestación de violines para su grabación de los temas At Last y Trust in me en 1961. No obstante, Etta no abandonó su lado más áspero: en 1962 grabó "Something's Got a Hold on Me", con tonos de gospel, en 1963 un vibrante disco en directo (Etta James Rocks the House) grabado en el New Era Club de Nashville, y en 1966 un dueto blusístico, "In the Basementcon", con su amiga Sugar Pie De Santo.
En 1967 grabó uno de sus temas clásicos, "Tell Mama", una balada soul optimista que contrastaba con otros temas más dramáticos de la misma sesión como "I'd Rather Go Blind". A pesar de la muerte de Leonard Chess, Etta permaneció en la compañía hasta 1975, aproximándose finalmente a la música rock.
Tras unos años difíciles, regresó en 1988 con un disco para Island titulado Seven Year Itch, que reafirmó su maestría en el soul sureño. Sus siguientes discos fueron variados, aproximándose tanto a la música más contemporánea (en 1990 con Sticking to My Guns) como a la emotividad más explícita (en 1992 con The Right Time), pasando por algunas aproximaciones al jazz y a la música navideña, como en 1998 con Etta James Christmas.
Fallecimiento[editar · editar código]

 El 23 de diciembre de 2011 fue ingresada en el hospital Riverside Community de California con una leucemia terminal.1 La cantante, ganadora de tres premios Grammy, luchó contra la obesidad y fue adicta a la heroína durante muchos años. Falleció el 20 de enero de 2012 a los 73 años, lo anunció su amiga y representante Lupe de León.2 Christina Aguilera conmemoró a Etta cantando en su funeral el sencillo "At Last".

Pearl Jam - Lightning Bolt [Full Album]

Lightning Bolt, es el décimo disco de la banda estadounidense de rock alternativo y grunge Pearl Jam. El disco fue anunciado el 11 de julio de 2013, y fue estrenado el 15 de octubre del 2013.1 La banda no había lanzado un álbum de estudio desde 2009, cuando editaron el discoBackspacer, Lightning Bolt es producido por Brendan O´Brien.
Su primer sencillo es "Mind Your Manners", canción lanzada el 11 de julio de 2013, cosechando criticas positivas. Su segundo sencillo lanzado es"Sirens".

Desarrollo[editar · editar código]

En mayo de 2013, en una entrevista para Billboard, el guitarrista de Pearl Jam Stone Gossard, reveló que la banda estaba finalizando su décimo álbum, diciendo: «Realmente queremos terminar el disco este año, llevamos aproximadamente entre la mitad o tres cuartos del trabajo hecho, pero tenemos nuevo material y estamos esperanzados en hacer mas este año».2 En julio de 2013 el guitarrista Mike McCready dijo para Total Guitarque habían terminado 7 canciones hace dos años y que comenzaron hace poco a trabajar con un nuevo conjunto de temas.3
El 1 de julio Pearl Jam anunció que el día 8 de ese mes darían un importante anuncio, con esto los rumores sobre el nuevo álbum aumentaron generando la emoción entre los fans.4 Finalmente el anuncio fue un tour de 24 fechas por Norteamérica,5 lo cual generó un poco de desazón entre la fanaticada, pero no quedo así, ya que inmediatamente Pearl Jam.com inició otra cuenta regresiva, la cual finalizaría el 11 de julio; ese día, se anunció el lanzamiento del nuevo álbum de la banda, Lightning Bolt.6 Ese mismo día fue lanzado el primer sencillo, "Mind Your Manners", junto con la preventa del álbum.7
El 18 de septiembre fue lanzado el segundo sencillo, "Sirens".



Artist: Pearl Jam
Album: Lightning Bolt
Year: 2013
Label: Monkeywrench

Tracklist:
1. Getaway
2. Mind Your Manners
3. My Father's Son
4. Sirens
5. Lightning Bolt
6. Infallible
7. Pendulum
8. Swallow Whole
9. Let the Records Play
10. Sleeping By Myself
11. Yellow Moon
12. Future Days

Albert Hammond Jr. / Yours to Keep [Full Album]

Albert Hammond Jr., músico estadounidense, nacido el 9 de abril de 1980 en Los Ángeles, California, hijo del compositor Albert Hammond.
Desde 1998 es miembro activo de la banda neoyorkina de rock independiente, The Strokes, como compositor, guitarrista rítmico y guitarrista principal. The Strokes ha sido su primera banda.
Vivió hasta 1993 en Los Ángeles, año en que fue enviado por su familia al prestigioso internado suizo Instituto Le Rosey, donde conoció a Julian Casablancas.
En 1998 se encontró de nuevo con Casablancas en Nueva York, ciudad en la que ambos vivían. Decidieron formar The Strokes con otros antiguos compañeros de colegio de Casablancas, Nick Valensi, Nikolai Fraiture y Fabrizio Moretti.
Toca una guitarra que a veces intercambia con la guitarra de su compañero Nick Valensi, una Gibson Les Paul. Se le suele asociar como el guitarrista rítmico de la banda en la mayoría de las canciones, mientras que la mayoría de los solos son tocados por Valensi. Hammond, por su parte, toca solos en "Last Nite", "Trying Your Luck", "Take It or Leave It", "Under Control", "The End Has No End", "Ize of the World" y "Vision of Division". Sus solos tienden a enfocar a lo emocional, tendiendo al blues, y la guitarra denota un sonido más limpio y suave en comparación con la guitarra de Valensi (con una notable excepción notada en "Vision of Division"). Su postura con la guitarra, suele ser mantenerla horizontal y alta (similar a la postura de Buddy Holly).
Es costumbre suya tocar vistiendo traje de tres piezas y ha sido una gran influencia en el estilo de la banda. [cita requerida]
Más allá de que Julian Casablancas es el principal contribuyente en cuanto se refiere a las letras de las canciones, Hammond también ha escrito un par de piezas propias. Colaboró con Julián escribiendo "Automatic Stop", para el segundo álbum, Room On Fire. También se le atribuyen tres canciones mayormente instrumentales ("Swiss Beats", "Holland", y "By The Way") para el video "In Transit", en el 2001. Estas canciones, fueron luego retocadas para ser publicadas en su propio álbum Yours to Keep (que, según ha afirmado, no va a afectar a su carrera con los Strokes y en el cual Casablancas participa tocando el bajo y realizando las voces de acompañamiento en la canción "Scared"), bajo diferentes títulos ("Everyone Gets a Star", "Bright Young Thing", e "In Transit", respectivamente). También había escrito una canción llamada "Elephant Song".
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